Índice.
1 Medios y niveles de supervivencia de los artistas en el siglo XX
1.1 Generalidades.
1.2 Ejemplos
2 Formas de comercialización de imagen y volumen artificiales a lo largo del siglo XX.
2.1 Medios y valor, antes de la reproducción en serie.
2.2 Medios y valor ante la posibilidad de la reproducción en serie.
2.3 Medios y valor actualmente.
3 Alineación del artista.
4 Intento de diferenciación entre Arte y Diseño.
4.1 Generalidades
4.2 Diseño
4.3 Arte
4.4 Interacción entre ambos conceptos
5 Conclusión
Bibliografía1.
Medios y niveles de supervivencia de los artistas en el siglo XX.
1.1
Generalidades.La gente, algo come, pero desde el invento del comercio y el dinero, las ocupaciones se pudieron alejar del objetivo de la supervivencia. Es posible encontrar gente que no haga “nada” y viva lujosamente. Gente q labure como mula 12 horas por comida y ropa. Etc...
1.2
Ejemplos.Van Gogh:
Creo que sería el ícono de “Artista pobre de principio de siglo”.
Van Gogh no entendía el negocio del arte de su época. Quiso cambiarlo…
Intentó vender sus cuadros, y tenía los contactos para ello. Una rama de su familia tenía galerías o algo similar, aparentemente. Vincent trabajó ahí con su hermano. Lo echaron porque no era buen vendedor y promovía una idea de arte no comercial.
Dicen que, en su vida, vendió un solo cuadro! “Viñas rojas”.
Parece que después le dio por la religión y salió de misionero a unas minas en Bélgica. Ahí vivió para dar todo por desconocidos a los que llamaba “hermanos”.
Como Jesús, San Francisco y otros, abandonó todo lo material para entregar su amor a Dios.
Entre que no podía vivir del arte porque sus cuadros no se vendían, y que después tampoco quería -porque abandonó lo material- Van Gogh nunca tuvo un mango.
Como era un tipo de Fe, siguió pintando y pintando, y no le importó lo que decían. Y creyó en el destino, supongo. Y así le fue ;)
A mí me parece un Arte muy puro. El tipo pintó lo que quiso y como quiso. En los cuadros veo su mundo interior. No lo afectaron factores como el mercado, la crítica, la censura … hasta donde sé.
Era un loco inadaptado - estaba por fuera del circuito.
Estaba molesto con cómo el arte estaba al servicio de la comodidad - dicen que decía.
El quería el arte al servicio de su subjetividad.
“Pinto lo que me pinta, como me pinta”. Era como autocomplaciente, digamos.
Hizo como 2000 dibujos y pinturas como se le cantó.
Su nivel de supervivencia era de lo más bajo, y los medios…
No se… Que comia Van Gogh??
Siempre tuvo ocupaciones paralelas a la pintura poco remuneradas u honorarias. Y de vender cuadros, no vivía tampoco.
Es paradójico, como sus pinturas se hicieron tan valiosas, porque no las pintó con el propósito de que lo fueran.
Pierre-Auguste Renoir:
Renoir fue contemporáneo de Van Gogh, mas o menos.
Pero este si estaba en el mojo, con Monet etc…
Remojo sus carnes en vino y las mas finas especias de la época.
:oP
Como diez años después de que empezó en el arte cobró reconocimiento, ya tenia abundante curiculum. Se dedicó a pintar escenas de la burguesía y a interactuar en ellas.
Todo el glamour, tenía, parece. Si miramos sus cuadros, son mas “lindos” que los de Van Gogh. Pinta escenas que parecen placidas y frívolas. Supongo que participaría de las charlas y forma de pensar. Yo lo veo tratando de reflejar a la burguesía amablemente: mostrándolos bellos para que le compren los cuadros. Porque hay que mantener el estilo de vida burgués propio. ;o)
Y además, porque era su entorno, y un artista siempre refleja su entorno, naturalmente, no? Supongo que participaba por elección de esos entornos.
Vivía de pintar y pinto hasta que apenas podía moverse.
Se ve que le gustaba y lo sentía en el alma!
El nivel de supervivencia, medio a alto, supongo un poco.
Marcel Duchamp
Un genio!!
Es gracioso, yo a los 15 colgué un water en mi cuarto. Como objeto decorativo. Sin saber que este tipo había hecho eso de enviar un mijitorio a una expo. Y mucho antes… en la escuela, me daba por armar telarañas en mi cuarto con cinta de casettes rotos, intentaba dejar lugares por donde pasar, y por donde solo pasara yo. Creo que era una cosa de adueñarme del espacio de mi cuarto, no se.
He hecho muchas cosas q no se porque jijiji.
Ahora descubrí que una obra de este tipo fue hacer una tela araña de cuerda, en una sala de una galería.
Siento mucha afinidad con este hombre.
Un pionero del arte conceptual. Mientras la gilada seguía pintando, el tipo te vuela el bocho y andate pa tu casa…
Era tan crack que podía hacer lo que se le cantaba, y que le pagaran por eso.
Creo que estaba mas allá de lo material.
Sus obras eran muchas veces efímeras… o conceptuales, y por lo tanto, no eran muy “vendibles”.
Pensaba incluir más ejemplos, pero no tuve tiempo de investigar debidamente. También puede que sea poco preciso en algún juicio.
2
Formas de comercialización de la imagen a lo largo del siglo XX.
2.1
Medios y valor, antes de la reproducción en serie.Antes de la revolución industrial, el arte era todo artesanal. Se hacían cuadros por encargo. O se experimentaba solo. Pero lo mejor que le podía pasar a un artista era conseguirse un Mecenas.
La otra manera posible era tallar tablas para impresión, antes de los tipos móviles.
Es lo mas parecido a un “diseño para producción en serie” antes de las imprentas y los moldes. También se acuñaban monedas y digo yo, que el diseñador de la cuña cobraría bien.
En definitiva, los trabajos de diseño para reproducción eran pocos. El grueso era artesanal.
2.2
Medios y valor ante la posibilidad de la reproducción en serie.En vista de los adelantos tecnológicos, se paso a otra estrategia, creo. Un artista se puede dedicar a crear diseños para ser reproducidos luego en fábricas. Sea estampado de una tela, un auto, un PC, la botella de Coca cola. Para diseñar, se llama a un “diseñador-artista”. El que construirá el Puente entre la idea y lo material.
Andy Warhol fue un pionero en decir eso, que la producción en serie es arte.
Pero mas concretamente, el diseño de la caja de un medicamento, es arte.
0,1% Arte? Una parte en 1000, demasiado para algunas cosas.
La otra manera, la que siempre tuvo un artista, la difícil… generalmente.
La artesanal. Experimentar y experimentar con estéticas, ideas, materiales… hasta encontrar algo que funciona y puede vender. Luego repite ese diseño en sus variantes interesantes.
De todas formas, eso ya no se considera “Arte”. Cabe citar el titulo de un capitulo de South Park, llamado: “Eso ya lo hicieron los Simpsons”. Hay una sensación de que sin importar lo original q se quiera ser, lo que uno hace, es muy parecido a algo que ya hicieron antes.
El arte plástico experimental y el Rock and roll instrumental estan agotados.
No significa que no pire con The Animals, Jerry Lee Lewis, etc...
O que no pueda componer Mi rock.
Significa que ya es muy difícil hacer un rock “Original”, sin salirse del rock. Creo…
El rock es una puta vieja que quiere mas y mas, pero ya nada la sorprende ni la exita.
El arte plástico… pasó a estar mas que nada, al servicio del diseño industrial y grafico.
Lo mejor que le puede pasar a un artista, es que lo contrate una Gran empresa para hacer sus diseños que luego se reproducirán. Sea la diagramación grafica de la caja de cereales, el juguete didáctico o el diseño de un robot para producir autos.
Ahí esta la guita, para un artista que domine las técnicas.
2.3
Medios y valor actualmente.Actualmente se sumaron otros cambios en el mercado.
Me parecen destacables: la posibilidad que brinda Internet y los Bancos de imágenes, sumada a la reproducción en serie.
Antes, si bien un artista podía vivir de diseñar para una fabrica, este debía habitar cerca de la misma, o al menos, de su departamento de diseño.
El termino “países industrializados” hace obvio que, si uno quiere diseñar, hay que vivir allá.
Ahora con Internet, surge la posibilidad de estar en cualquier parte del mundo trabajando para cualquier empresa o por cuenta propia.
Dado que lo que importa es la idea, y puede ser transmitida como información!
Concretamente, existen páginas donde empresas presentan oportunidades, y diseñadores buscan trabajos.
Tele trabajos, porque luego cada uno diseña desde cualquier parte del mundo que tenga conexión a Internet, y preferiblemente, un Banco internacional.
También están los bancos de imágenes.
Donde los diseñadores buscan imágenes temáticas para armar una publicidad. A su vez diseñadores suben imágenes con titulo y descripción que luego serán escaneadas cuando alguien quiera comprar una imagen de X cosa.
Los bancos son muy interesantes porque dan feedback casi inmediato al diseñador.
Hay unos más estrictos que los otros al filtrar las imágenes que aceptan.
A veces con criterios lógicos, y otras veces por razones subjetivas, creo (políticas).
A mi me gustan los que aceptan cualquier cosa, porque uno nunca sabe que funcionara. Uno sube algo, y si al día siguiente tiene 5 o mas bajadas, es bueno! Listo!
El ojo global lo ha mirado y parece q le gustó. Jajajaja :P ;)
Es lo mejor para aprender que funciona realmente. Y en mi experiencia, lo que funciona es ser sintético y reconocible de una vez. Enfocarse en el efecto del primer vistazo.
Una imagen que llevó 1 día de trabajo, y a los 5 años rindió 50 dólares… es aceptable. Desde ahí… se ven imágenes que dieron U$S 2000 en un año. Esas son las mas limpias, claras y sintéticas… generalmente. El potencial a largo plazo es difícil de predecir, es todo muy nuevo, pero promete.
Igual, lo interesante es que se puede experimentar y tener un termómetro para saber si algo es “Bueno”, si es “Arte”. Obviamente, a los ojos de una cultura cibernetica, de gente con acceso a internet. Pero en todo caso, se trata de diseñadores con cierto criterio estetico, que por algo compraron esa imagen y no la de al lado.
3
Alineación del artista.Primero la definición según Wikipedia
Alineación: dicese del “Proceso mediante el cual el individuo o una colectividad transforman su conciencia hasta hacerla contradictoria con lo que debía esperarse de su condición”
Es una mezcla entre castrado, desequilibrado, frustrado, reprimido, insatisfecho…
“Chupar la fruta sin poder morderla”, cito al Indio Solari.
La sensación normal de un hombre moderno. :o)
Antes era mucho peor, dicen libros y abuelos.
Los artistas se la tiran de relocos libres, desafiantes de lo desconocido, dispuestos a todo, impredecibles. Tipos y tipas que no viven como las masas de gente alienada, que crean a su paso una nueva forma de ver y hacer, la suya propia. Saltan al vacío conceptual o estético, y sobreviven.
El otro lado es la supervivencia del animal. Y el hecho de que las reglas existen para asegurarla.
O sea, discurso: “Si marinas es lo q se vende, marinas pinto. Porque de algo hay que vivir. Y que otro mas sobrado y consentido experimente con nuevas estéticas y esas cosas vanguardistas.”
En todo caso, el problema esta cuando te gustaría estar dibujando en las playas de rocha echado a la bartola. Pero estas en tu casa de Montevideo laburando para un Gringo q esta en USA echado patras y quiere un diseño para la Web de un SPA, que transmita ese sentimiento de relax. Jaja
La alienacion material, cuando crees q necesitas cosas superfluas. Y dedicas tu vida a conseguirlas. Obiamente, cuando las necesidades basicas no estan satisfechas.
La alienacion espiritual, cuando crees que hay un solo dios o que no hay ninguno... o cuando crees que sos dios.
Frases abstractas, en la practica es mas jodido y ambiguo.
4
Intento de diferenciación entre Arte y Diseño.
4.1
Generalidades.Lo que distingue una obra Artística de una de diseño, seria el grado de alineación del sujeto creador, por un lado. Y el grado de originalidad del producto, por el otro.
No me gusta ese juego de q “lo q esta dentro de una galería, es Arte”.
Esta regla obviamente esta sujeta a criterios personales, conocimientos previos y relatividad en general. A la hora de medir, cada cual tiene su vara efímera.
Pero a veces es muy claro cuando un artista subordinó su intención creadora a la de su Mecenas.
Y cuando algo es “Cliché”. Y cae en los lugares comunes, ya estipulados para decir X cosa.
Según este criterio no habría artistas-artistas hasta… no se… muy relativo también, el Renacimiento? Da Vinci? Goya? No soy Dios para juzgar, pero creo que al menos ellos ya tuvieron libertad total, de a ratos al menos, para crear y sacar afuera eso “no tan lindo” o “inexplicablemente lindo” que todos llevamos dentro.
Antes, los dioses no dejaban. Pero por suerte, en una, Dios soltó a los artistas y empezó a aparecer “el cuadro completo”, metafóricamente.
Porque el Arte de la Edad media, y el Egipcio, Maya y Azteca, para mi… Eso no es Arte. Es un trabajo pago de diseño siguiendo reglas estrictas.
No lo cuento en este sentido. Sin embargo, Hubo un Artista/Grupo de Artistas Egipcio/s, que creo/crearon el Diseño/Estética Egipcio/a. //////
Así con todas las culturas y sus estéticas ornamentales y de representación figurativa. :oP
Que de todas formas, a pesar de crear un lenguaje nuevo, seguían la intención del que pagaba supongo… no me va mucho el arte antiguo a mi.
No conozco el sentido de las pinturas rupestres, si el jefe del clan mando pintar como decoración porque le gustaban los bisontes, o si el “hombre-mono-artista” dijo: ¡voy a pintar ese bisonte que cazamos, porque me place!
O si se pinto con fines pedagógicos, para que los niños que no iban a cazar aun, pudieran saber como se ve el bicho entero, antes de q lleguen faenados y por partes al refugio de la cueva.
Da para divagar, eso seguro :o)
Obvio que nada es absoluto… q todo diseñador es artista y el artista es un diseñador experimentando.
En estas cosas, si uno se pone radical, la embarra. Digamos que todos somos diseñadores-artistas que nos ponemos en un rol o el otro, según cuadre.
4.2
DiseñoEn realidad, el diseño como tal, no surge hasta mitad del siglo XX.
Peeero.. Mi intención es afinar la definición de arte, y ensanchar la de diseño, Para que “Diseño” abarque cualquier composición creada con un fin de comunicar algo. El diseño trabaja afinando el sentido de la imagen producto según reglas establecidas y ratificadas, para que todos los observadores participantes de esa cultura, asocien esa imagen con el mismo concepto abstracto que se intenta mostrar.
El uso que le doy a la palabra, seria similar a “composición”, pero prefiero decirle “diseño”.
No importa si se va a reproducir en una imprenta o fabrica, el diseño, luego. Estas componiendo para comunicar siempre. Y como seguís reglas te entienden fácil, muchos. Igual esto es algo mas fácil de decir, que hacer.
Siempre algún atravesado ve un cielo verde con una nube, en vez de la oveja en el pasto.
El diseño es algo grande… el todo, lo establecido, las grandes masas: yoyo, ojitos, masini, palmitas. :oP
Es lo conocido por una cultura. Las formas de expresión que esa cultura conoce y usa.
La modalidad de la época.
Le quito todo el sentido de “diseño para la producción en masa” del diseño industrial y gráfico actual, si me explico.
4.3
Arte
Y el arte… seria… JA!
La creación de imágenes que desafían las categorías existentes por no ser parecido a nada anterior.
Al no poder ser clasificas, el sentido debe ser completado por la subjetividad del observador.
Por lo tanto, esas imágenes “inclasificables” tienen un sentido ambiguo en extremo cuando surgen a la luz. A su vez cumplen con reglas de funcionamiento de la percepción y tiene titulo, lo que hace que todos SI vean “lo mismo” detrás de la aparente ambigüedad.
(Ambigüedad)² = Arte
Cosas que son y no son ambiguas.
Capaz que es un bolazo… jaja
Pero es mi idea de arte… jiji
4.4
Interaccion entre ambos conceptos.La idea es que el Arte sea la piedra que, de tanto caminar, se mete en el zapato del diseño.
Hay que parar de caminar, sacarse el zapato, ver q carajo era eso q pinchaba tanto, y seguir caminando con la satisfacción de haber superado a la maldita piedra, pero con la nocion de que el zapato tiene un agujero, y hay que comprar zapatos nuevos. jaja
Esta metáfora es también en el sentido de la relación de tamaño.
El mundo exterior es lo desconocido, el champion es lo conocido. La piedra, es eso de lo desconocido que cae dentro. La experiencia nueva e inexplicable.
Es el mismo principio que se aplica en ciencia. Lo mejor que le puede pasar a un científico es encontrar un experimento nuevo, repetible e inexplicable.
Por esa razón: “el Arte no es hacer cualquier cosa”, como dice Beto. :o)
“El Arte con mayúsculas” seguía.
Entonces el Arte es eso pequeño diferente a la comodidad del champion (lo establecido), pero que por alguna razón no esta fuera, en lo inconmensurable de lo desconocido. El artista tendió un puente entre lo conocido y lo desconocido y trajo “eso”.
Creo que se da un ciclo, en la evolución estética (no solo yo, supongo).
El Arte, al principio, es el semillero del diseño. Porque el diseño necesita siempre de nuevas formas de representar lo mismo o lo nuevo (la gente se aburre, la competencia es fiera). El arte crea un nuevo paradigma estético, que luego el diseño usa.
Esta el dicho: “El loco abre los caminos que luego el sabio recorre”.
Me viene una frase de “Ratatouille”, que vi hace poco: “El trabajo del Chef es sorprender. Nosotros (cocineros) debemos seguir la receta.”
Al final, el arte es esa parte que resume abarca y refleja a la totalidad, en cierto sentido relevante y destructor. La gota que derrama el vaso. El ojo de la tormenta.
Lo que reafirmo es que el Artista es ese tipo que se animo a ser el y salir contra la corriente siendo él mismo aunque no encajara. O por ser contra nomás, para sobresalir, q a veces pasa también. No me importa la razón por la que se crea el paradigma, me importa que contesta al anterior que se va, ya saturado el mercado y gastado el símbolo.
Hay otro ciclo que se da, que es la reedición.
Cuando los neoclásicos reinventan el renacimiento o cuando los expresionistas alemanes reinventan el gótico.
Cuando en los 90 revivió el hippie, o como en esta época se recrea el movimiento punk y se vuelve algo popular, también.
No se si es del lado creador, que no tiene nada realmente original que ofrecer, o porque al publico le cuesta aceptar lo nuevo. Pero hay patrones repetitivos, tendencias que oscilan. Más de lo mismo, deja vu.
También hay quien mezcla lo existente, así surgen las Coco-vestruces musicales. El Ska-murga, la cumbia-candombe y otros adefesios. En lo plástico es mas difícil de ver, si no se tiene mucho background. Jeje por eso no tiro ejemplos
5
ConclusiónLa función del arte es liberar al hombre. Por lo tanto, la venta de la obra por parte del artista la desvirtúa. Tiende a coaccionarla.
El artista toma decisiones que considera que aumentaran el valor de la obra, lo que paradojicamente, lo disminuye a mi entender.
Ahí surge un artista alienado. Que no es artista hasta que se libere de nuevo y vuelva a hacer las cagadas o las flores que se le cante hacer.
A mi me gusta la cosa tipo Van Gogh, eso de estar fuera del circuito.
Crear libre de tener que complacer expectativas. Tener en cuenta comentarios y criticas, pero como opiniones y no juicios.
Para juzgar esta el Poder Judicial, y se equivoca todos los dias.
Algunos creen que el artista esta para embellecer la realidad.
Pero si tenemos en cuenta descubrimientos postmodernos como la relatividad.
Esta claro que no estas frente a la Realidad, estas frente a la barrera de la percepción.
Toda realidad es una construccion abstracta q no se parece en nada a "lo real" intangible.
En ese marco, enbellecer la "realidad" significa adornar la barrera de la precepción para que nadie vea lo que hay detras (la magia del conocimiento silencioso, es lo que hay detras, dicen... yo nunca vi).
En ese marco,
los publicistas son artistas corruptos. Pero de algo hay que vivir, supongo.
Por eso no me gustan las galerias tampoco, porque se supone q provean de mirada artistica a los individuos. El curador decide qué es arte y lo exibe. Pero ahi esta atando nuestra mirada artistica a la suya. Lo mismo que el padre en la iglesia.
La gracia es que sea libre, que veas "Arte" en cada rincon del mundo.
Algo que lei, que me parece, también.
Decía un tal Merleau-Ponty, que un problema del hombre moderno esta (o estaba en su entorno y época (1950)) en que ya se dio cuenta de algunas cosas. Y se descorazonó. Dijo en una radio: “Nosotros concebimos todas las obras de la ciencia como provisionales y aproximadas, mientras que Descartes creía poder deducir, de una vez y para siempre, las leyes del choque de los cuerpos de los atributos de Dios”
Eso lei en:
http://www.etcmagazine.com.ar/index.php?option=com_content&task=view&id=1407&Itemid=41
El hombre moderno sabe que SU verdad no es LA verdad. Que esta lleno de verdades, y se contradicen. Que la verdad no existe y todo es relativo, como dijo Einstein, en esa epoca, mas o menos, tambien.
Que la Verdad es solo la modalidad de la epoca, que se usa para controlar a la gente y para ocultar la verdad-verdad.
La verdad murio… bue.. ahora que hacemos?
Creo que la actitud fue: “UUUUUUHHH WIIIIII!! Viva la pepa! Vamo a hacer lo q se nos cante el forro!”
Prefieren no darle bola a la verdad, porque no es. En vez de limpiarla de las cagadas, que da laburo.
Hace la tuya nomás, yo no vi nada. Lalala Lalala
Pero algunos se indignan todavía, por ese lindo cartel manchado.
Bibliografía:http://www.metmuseum.org/toah/splash.htm
Time line del arte del Metropolitan
http://www.thecityreview.com/s02pco1.html
Info sobre subastas de arte de Marcel Duchamp
Leí mucha Wikipedia y algun link externo.
